Warum befindet sich die Musikindustrie in einem so schlechten Zustand?
Leroy Sanchez • 13. September 2024
8 Minuten
Die Musikindustrie, einst ein blühendes Zentrum für künstlerischen Ausdruck und kulturelle Einflüsse, kämpft nun mit zahlreichen Herausforderungen, die das Umfeld erheblich beeinflusst haben. Dominiert von großen Label-Monopolen und angetrieben von einem kapitalistischen Modell, das den Profit über die Kreativität stellt, hat die Branche ein Umfeld geschaffen, das nur wenigen zugutekommt, während die meisten Künstler ums Überleben kämpfen. Der Aufstieg von Streaming-Plattformen wie Spotify hat die Situation weiter verkompliziert, indem er ein Erlösmodell einführte, das Künstler unterbezahlt. Die Marktsättigung, der Übergang von Alben zu Singles, ausbeuterische 360-Deals und der Druck der sozialen Medien auf Viralität haben die Situation nur verschärft. Dieser Artikel untersucht diese vielschichtigen Probleme und bietet eine umfassende Analyse, warum die Musikindustrie heute in einem so kritischen Zustand ist und was getan werden könnte, um ein gerechteres und nachhaltigeres Umfeld für alle Künstler zu fördern.
Monopol der Labels
Die Musikindustrie wird von drei großen Akteuren dominiert: Universal Music Group, Sony Music Entertainment und Warner Music Group. Diese Unternehmen kontrollieren den Großteil des Marktes und schaffen ein virtuelles Monopol, das es neuen und diversen Stimmen erschwert, durchzubrechen. Diese Machtkonzentration begrenzt die Vielfalt der Musik, die den Mainstream erreicht, und erstickt Innovationen, da diese großen Labels die Rentabilität über die Kunst stellen. Sie üben erheblichen Einfluss auf Vertriebskanäle, Streaming-Playlists und Radio aus, was es unabhängigen Künstlern nahezu unmöglich macht, ohne eine Allianz mit einem dieser Giganten breite Anerkennung zu erlangen. Der Mangel an Wettbewerb innerhalb der Branche wirkt sich nicht nur auf die Vielfalt der verfügbaren Musik aus, sondern verstärkt auch ausbeuterische Praktiken wie unvorteilhafte Verträge und reduzierte Tantiemen für Künstler.
Streaming-Plattformen wie Spotify
Streaming-Plattformen haben die Art und Weise, wie Menschen Musik konsumieren, verändert, indem sie den Fokus vom Besitz von Musik auf den Zugang zu umfangreichen Musikkatalogen gegen eine geringe monatliche Gebühr verlagerten. Obwohl diese Demokratisierung des Zugangs vorteilhaft erscheint, hat sie ein Erlösmodell geschaffen, das Plattformen und Plattenfirmen unverhältnismäßig begünstigt, nicht jedoch die Künstler. Spotify, Apple Music und andere Streaming-Dienste zahlen Künstlern Bruchteile von Cent pro Stream, was es den meisten Musikern erschwert, allein durch ihre Musik ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Dieses Modell priorisiert Volumen über Wert, fördert kürzere Songs und bevorzugt Quantität über Qualität. Darüber hinaus bevorzugen die Algorithmen, die diese Plattformen antreiben, bereits beliebte Titel, was es weniger bekannten oder unabhängigen Künstlern erschwert, Sichtbarkeit zu erlangen.
Übersättigung des Marktes
Das Aufkommen erschwinglicher Musikproduktionstools und digitaler Distributionsplattformen hat die Eintrittsbarrieren für aufstrebende Musiker gesenkt. Obwohl diese Demokratisierung vielen neuen Künstlern den Zugang erleichtert hat, hat sie auch zu einem übersättigten Markt geführt. Täglich werden tausende Songs auf Streaming-Plattformen hochgeladen, was es immer schwieriger macht, dass ein einzelner Künstler hervorsticht. Das schiere Volumen des Inhalts erschwert die Entdeckung, selbst für talentierte Musiker, und viele Künstler haben Schwierigkeiten, Traktion zu gewinnen oder ihr Publikum zu finden. Diese Übersättigung verwässert auch die Gesamtqualität der Musik, da die Leichtigkeit der Produktion und Veröffentlichung nicht immer mit künstlerischem Wert korreliert.
Der Einfluss des Kapitalismus auf die Industrie
Der Kapitalismus hat die Musikindustrie stark beeinflusst, oft auf Kosten der künstlerischen Integrität und der fairen Behandlung aller Künstler. Der primäre Fokus der Branche hat sich auf die Rentabilität verschoben, wobei Entscheidungen zunehmend von Markttrends statt von echter Kreativität oder kultureller Wirkung getrieben werden. Dieser kommerzielle Ansatz führt zu einer Homogenisierung der Musik, bei der Formeln, die finanziellen Erfolg garantieren, über Experimente oder neue Klänge priorisiert werden. Dieses Umfeld entmutigt Risikobereitschaft unter Künstlern und Labels gleichermaßen, was zu einem Mangel an Vielfalt und Innovation in der Mainstream-Musik führt. Eine der auffälligsten Konsequenzen dieses kapitalistischen Modells ist die wachsende Einkommenskluft zwischen Spitzenkünstlern und weniger bekannten oder aufstrebenden Musikern. Während Superstar-Künstler wie Taylor Swift, Drake und Beyoncé Multi-Millionen-Dollar-Deals, Konzertumsätze und lukrative Werbeverträge erzielen können, kämpfen die meisten Künstler darum, ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Die obersten 1 % der Künstler erfassen einen erheblichen Teil des gesamten Einkommens der Branche, sodass wenig für die restlichen 99 % übrig bleibt. Streaming-Plattformen und Plattenfirmen fördern intensiv bereits etablierte Künstler und stellen sicher, dass ihre Musik ein breiteres Publikum erreicht und mehr Streams generiert, was wiederum ihre Einnahmen erhöht. Unterdessen fehlt es weniger bekannten Künstlern oft an finanzieller Unterstützung oder Marketingkraft, um zu konkurrieren, und sie erhalten nur einen kleinen Bruchteil des auf diesen Plattformen generierten Einkommens.
Singles statt Alben
In der heutigen Musiklandschaft sind Singles kommerziell tragfähiger geworden als Alben in voller Länge. Mit dem Aufstieg von Streaming-Plattformen hat sich die Aufmerksamkeitsspanne der Zuhörer verkürzt, und viele bevorzugen es, Musik in kleinen Stücken statt in ganzen Alben zu konsumieren. Dieser Wandel hat zu einem Rückgang des Albums als kohärente Kunstform geführt, in der Künstler traditionell Themen und Ideen auf tiefere und vernetztere Weise erforschten. Der Fokus auf Singles ermutigt Künstler, kurze, eingängige und kommerziell ansprechende Songs zu kreieren, oft auf Kosten einer substanzielleren künstlerischen Entwicklung. Infolgedessen gehen die Tiefe und Vielfalt, die Alben einst auszeichneten, zunehmend im Wettlauf um den nächsten viralen Hit verloren.
360-Deals
Da die Plattenverkäufe zurückgegangen sind, haben die Labels auf '360-Deals' zurückgegriffen, die es ihnen ermöglichen, einen Anteil an allen Einnahmequellen eines Künstlers zu nehmen, einschließlich Tourneen, Merchandise, Sponsoring und mehr. Während dieses Modell den Labels mehrere Einnahmequellen bietet, lässt es die Künstler oft mit erheblich reduzierten Einkünften zurück. 360-Deals gelten als ausbeuterisch, da sie jeden Aspekt der Karriere eines Künstlers kapitalisieren, oft ohne gleichwertige Unterstützung oder Investitionen in ihre Entwicklung zu bieten. Künstler unter solchen Deals können sich in einem Zyklus wiederfinden, in dem sie ständig arbeiten, aber aufgrund des Anteils, den die Labels nehmen, Schwierigkeiten haben, ein nachhaltiges Einkommen zu erzielen.
Einfluss der sozialen Medien
Soziale Medienplattformen wie TikTok, Instagram und YouTube sind entscheidend für die Entdeckung und Förderung von Musik geworden. Diese Verschiebung hat jedoch grundlegend verändert, wie Musik vermarktet und konsumiert wird. Anstelle einer langfristigen Künstlerentwicklung liegt ein starker Fokus auf Viralität und Trends. Künstler sind jetzt oft unter Druck, Inhalte zu erstellen, die 'virales Potenzial' haben, anstatt sich auf ihre Musik und Kunst zu konzentrieren. Dieses Umfeld begünstigt kurzfristigen Erfolg gegenüber einem nachhaltigen Karrierewachstum, was zu einer Landschaft führt, die von flüchtigen Trends dominiert wird, anstatt von dauerhaften musikalischen Innovationen. Der ständige Bedarf an Engagement kann für Künstler auch anstrengend sein, da sie ebenso sehr Inhaltsersteller wie Musiker sein sollen.
Fazit
Der aktuelle Zustand der Musikindustrie ist das Ergebnis einer Kombination aus strukturellen, wirtschaftlichen und technologischen Veränderungen, die beeinflusst haben, wie Musik geschaffen, vermarktet und konsumiert wird. Vom strikten Griff der Label-Monopole und ausbeuterischen Geschäftsmodellen bis hin zu den Herausforderungen, die durch Streaming-Plattformen, Marktsättigung und den Einfluss der sozialen Medien entstehen – jeder Faktor trägt zu einer Umgebung bei, die den Profit über den echten künstlerischen Ausdruck stellt. Um diese Herausforderungen zu bewältigen, ist eine kollektive Anstrengung von Künstlern, Labels, Plattformen und Verbrauchern erforderlich, um die Branche in eine gerechtere, nachhaltigere und kreativitätsfördernde Umgebung zu verwandeln.