Por que a indústria da música está em um estado tão ruim?
Leroy Sanchez • 13 de setembro de 2024
8 minutos
A indústria da música, que já foi um próspero centro de expressão artística e impacto cultural, agora enfrenta inúmeros desafios que afetaram significativamente seu cenário. Dominada por monopólios de grandes gravadoras e impulsionada por um modelo capitalista que prioriza o lucro em detrimento da criatividade, a indústria criou um ambiente que favorece apenas alguns poucos, enquanto a maioria dos artistas luta para sobreviver. A ascensão de plataformas de streaming como o Spotify complicou ainda mais as coisas, introduzindo um modelo de receita que paga mal aos artistas. A saturação do mercado, a mudança de álbuns para singles, os contratos exploradores de 360 graus e a pressão da viralidade nas mídias sociais só pioraram a situação. Este artigo explora essas questões multifacetadas, oferecendo uma análise abrangente de por que a indústria da música está em um estado tão crítico hoje e o que pode ser feito para promover um ambiente mais justo e sustentável para todos os artistas.
Monopólio das Gravadoras
A indústria da música é dominada por três grandes players: Universal Music Group, Sony Music Entertainment e Warner Music Group. Essas empresas controlam a grande maioria do mercado, criando um monopólio virtual que dificulta a ascensão de novas e diversas vozes. Essa concentração de poder limita a variedade de música que chega ao público em geral e sufoca a inovação, pois essas grandes gravadoras priorizam a rentabilidade em detrimento da expressão artística. Elas exercem um controle significativo sobre canais de distribuição, listas de reprodução de streaming e rádios, tornando quase impossível para artistas independentes alcançar um reconhecimento amplo sem se alinhar a um desses gigantes. A falta de concorrência dentro da indústria não só afeta a diversidade da música disponível, mas também reforça práticas exploratórias como contratos desfavoráveis e royalties reduzidos para os artistas.
Plataformas de Streaming como o Spotify
As plataformas de streaming transformaram a forma como as pessoas consomem música, mudando o foco da posse de música para o acesso a vastas bibliotecas de músicas por uma taxa mensal nominal. Embora essa democratização de acesso pareça benéfica, criou um modelo de receita que beneficia desproporcionalmente as plataformas e as gravadoras em vez dos artistas. Spotify, Apple Music e outros serviços de streaming pagam aos artistas frações de centavo por reprodução, tornando difícil para a maioria dos músicos ganhar a vida apenas com sua música. Esse modelo prioriza o volume em detrimento do valor, incentivando músicas mais curtas e promovendo a quantidade sobre a qualidade. Além disso, os algoritmos que alimentam essas plataformas favorecem músicas já populares, dificultando a visibilidade de artistas menos conhecidos ou independentes.
Saturação do Mercado
O surgimento de ferramentas de produção musical acessíveis e plataformas de distribuição digital reduziu as barreiras de entrada para músicos em ascensão. Embora essa democratização tenha permitido que muitos novos artistas surgissem, também levou a um mercado saturado. Milhares de músicas são carregadas diariamente nas plataformas de streaming, tornando cada vez mais difícil para um único artista se destacar. O enorme volume de conteúdo torna a descoberta desafiadora, mesmo para músicos talentosos, e muitos artistas lutam para ganhar terreno ou encontrar seu público. Essa saturação também dilui a qualidade geral da música, pois a facilidade de produção e lançamento nem sempre se correlaciona com o mérito artístico.
O Impacto do Capitalismo na Indústria
O capitalismo influenciou fortemente a indústria da música, muitas vezes às custas da integridade artística e do tratamento justo de todos os artistas. O foco principal da indústria mudou para a lucratividade, com decisões cada vez mais guiadas por tendências de mercado em vez de criatividade genuína ou impacto cultural. Essa abordagem comercial leva à homogeneização da música, onde fórmulas que garantem sucesso financeiro são priorizadas em detrimento de experimentações ou novos sons. Esse ambiente desencoraja a tomada de riscos tanto entre os artistas quanto entre as gravadoras, resultando na falta de diversidade e inovação na música mainstream. Uma das consequências mais marcantes desse modelo capitalista é o aumento da disparidade salarial entre artistas de alto nível e músicos menos conhecidos ou emergentes. Enquanto superstars como Taylor Swift, Drake e Beyoncé conseguem contratos multimilionários, receitas de shows e lucrativos contratos de patrocínio, a esmagadora maioria dos artistas luta para ganhar a vida. O top 1% dos artistas captura uma parte significativa das receitas totais da indústria, deixando pouco para os restantes 99%. As plataformas de streaming e as gravadoras promovem intensamente artistas já estabelecidos, garantindo que sua música alcance um público mais amplo e gere mais reproduções, o que, por sua vez, aumenta seus ganhos. Enquanto isso, artistas menos conhecidos muitas vezes carecem de apoio financeiro ou poder de marketing para competir e recebem apenas uma pequena fração das receitas geradas nessas plataformas.
Singles sobre Álbuns
No cenário musical atual, os singles se tornaram mais viáveis comercialmente do que os álbuns completos. Com o aumento das plataformas de streaming, a atenção dos ouvintes diminuiu e muitos preferem consumir música em pedaços pequenos em vez de álbuns completos. Essa mudança levou ao declínio do álbum como uma forma de arte coesa, onde os artistas tradicionalmente exploravam temas e ideias de maneira mais profunda e interconectada. A ênfase nos singles incentiva os artistas a se concentrarem na criação de músicas curtas, cativantes e comercialmente atraentes, muitas vezes às custas de um desenvolvimento artístico mais substancial. Como resultado, a profundidade e a variedade que antes caracterizavam os álbuns estão cada vez mais perdidas na corrida pelo próximo hit viral.
Contratos 360 Graus
À medida que as vendas de discos diminuíram, as gravadoras recorreram aos 'contratos 360 graus', que lhes permitem tirar uma porcentagem de todas as fontes de receita de um artista, incluindo turnês, merchandising, patrocínios e mais. Embora esse modelo forneça às gravadoras várias fontes de receita, muitas vezes deixa os artistas com ganhos significativamente reduzidos. Os contratos 360 graus são vistos como exploradores porque capitalizam todos os aspectos da carreira de um artista, muitas vezes sem fornecer suporte ou investimento equivalente em seu desenvolvimento. Artistas sob esses contratos podem se encontrar em um ciclo em que estão constantemente trabalhando, mas lutam para ganhar uma renda sustentável devido à fatia que as gravadoras levam.
Impacto das Mídias Sociais
Plataformas de mídia social como TikTok, Instagram e YouTube se tornaram cruciais para a descoberta e promoção da música. No entanto, essa mudança mudou fundamentalmente a forma como a música é comercializada e consumida. Em vez de um desenvolvimento artístico de longo prazo, há uma ênfase forte na viralidade e nas tendências. Os artistas agora estão frequentemente sob pressão para criar conteúdo 'pronto para ser viral' em vez de se concentrarem em sua música e arte. Esse ambiente favorece o sucesso de curto prazo em vez do crescimento sustentado da carreira, levando a um cenário dominado por tendências passageiras em vez de inovações musicais duradouras. A necessidade constante de engajamento também pode ser exaustiva para os artistas, pois espera-se que sejam tanto criadores de conteúdo quanto músicos.
Conclusão
O estado atual da indústria da música é o resultado de uma combinação de mudanças estruturais, econômicas e tecnológicas que alteraram a forma como a música é criada, comercializada e consumida. Desde o controle rígido dos monopólios das gravadoras e os modelos de negócios exploradores até os desafios impostos pelas plataformas de streaming, a saturação do mercado e a influência das mídias sociais, cada fator contribui para um ambiente que prioriza os lucros em detrimento da expressão artística genuína. Para enfrentar esses desafios, é necessário um esforço coletivo de artistas, gravadoras, plataformas e consumidores para transformar a indústria em um setor mais justo, sustentável e que promova a criatividade e a diversidade.